Artistas bailando entre La India y España en el Siglo Pasado

Artistas famosas del comienzo del siglo pasado, que formaban un puente entre España y la India.

En 1890 nace en Málaga Ana Delgado Briones, y tras la mudanza de sus padres a Madrid ella debuta, como Anita Delgada, junto a su hermana como telonera en el famoso bar El Kursaal, lugar dónde intelectuales y artistas se encontraban, muchas veces enmarcados por actuaciones de gente internacional-mente famosa como fue Mata Hari. Mata Hari se educó como Margaretha Geertruida Zelle (1876-1971) en un convento en Friesland, el norte de Holanda. Mata Hari misma contaba que ella se separó de su marido en 1904, un holandés que fue destinado a las indias holandesas, y se marchó a Paris para ganarse la vida como bailarina india, bautizándose como Mata Hari, como ella dice significa ojo del día (en Híndi significaría Madre Sagrada). Como bailarina pasó por los escenarios famosos de Berlín, Milán, París y Madrid. En 1907 comenzó a trabajar al servicio de los alemanes y gracias a sus romances obtuvo informaciones muy valiosas. El hotel Ritz de Madrid fue uno de sus centros de operación.
Anita Delgada inaugura así las actuaciones de la famosa bailarina holandesa, siendo ella de una belleza semejante, ya que se dice que fue retratada por el Julio Romero Torres, pero fue mucho más inocente. Con la boda de Alfonso XIII , en mayo del 1906 con Enna Victoria Eugenia de Battemberg, Anita es descubierta por el Maharajá de Kapurthala, llamado Jagait Singh, que la vió primero entre el público en la calle Montera y luego en el Kursaal. El proponía a la familia de casarla pero Anita lo rechaza hasta finalmente aceptarlo y es enviada a Paris para aprender la “etiqueta” francesa, que el monarca indio siguió en su palacio del norte de la India. El Maharaj era ya un carácter de cómic, ya que inspiraba la risa entre el pueblo europeo, con sus cantidades de joyas y medallas. Con dieciocho años Anita es Maharani de Kapurthala y está bastante desilusionada de casarse en “una tela alargada lleno de piedras preciosas” en vez de un traje de novia blanca. Anita recuerda el flamenco cuando ve durante visitas a otros palacios en la India, actuaciones del kathak.
La maharani de Kapurtala es visitada por “la Tórtula de Valencia” (1882-1955), una mujer excéntrica que fue retratada por pintores del arte “deco” y que inventó, tras su viaje a Anita, un baile del incienso, seguramente inspirado en una plegaria del Kathak. La Tortula de Valencia, Mata Hari, Isadora Duncan y Ruth Saint Denis entre muchas, puede haber influido en la creación del baile de vientre del estilo cabaret y en la danza contemporánea. La danza contemporánea viaje desde EE.UU. e Inglaterra a Asia, por ejemplo en la India y Japón se funda escuelas de este estilo desde principios del siglo XX. Se puede hablar de un estilo de ida y vuelta.
En 1917 la Mata Hari fue acusada de ser espía para  el H21, servicios secretos de los alemanes. Mata Hari es fusilado durante la primera Guerra Mundial, a la edad de 40 años.
El Maharajá de Kapurtala participó en la Guerra con el ejército británico, así Anita Delgada volvió a Europa y ayudó con donativos a los hospitales franco-británicos. Mientras tanto, una verdadera india y espía, Noor Inayat Khan, cuya bisabuelo paterno era un santo del sufismo, músico Maula Baksh, era fusilada por los GESTAPO Alemán, 1944 por su trabajo de espionaje a favor de la resistencia francesa. Anita Delgado muera, dejando su herencia a un hijo, en 1962.

Rukmini Devi Arundale (1904-1986) recuperó la danza clásica de Tamil Nadu, llamado Bharata Natyam, que es la danza que quizás más sigue la Natya Shastra, un tratado de danza y teatro que se ubica en los siglos II de antes a después de Cristo, un manuscrito que fue encontrado en 1885 y traducido en idiomas indios mucho mas tarde; razón que las ya existiendo danzas clásicas se re-ajustaron a canones mencionados en el tratado ancestral. Rukmini Devi fue bailarina Brahmana que estaba motivada para recuperar la danza de su tierra, ánimado e inspirado a ello por la bailarina clásica del Ballet Ruso; Ana Pavlova, bailarina que residió en Inglaterra y quién daba clases de danza clásica a Rukmini. Ana Pavlova montó un ballet en 1929 inspirado en temáticas indias con música semi india (del compositor Banerjee Dutt), pero con la técnica europea.  Los gestos o Mudras de la danza Bharata Natyam son muy claros, tiene en general los dedos en tensión y forman parte de un sistema de enseñanza que necesita muchos años de practicas, además su postura con las rodillas dobladas es poco natural y este postura, llamado Aramandi, es parecido a la primera y segunda posición del ballet clásico europeo (en pliyée). La bailarina de  Bharata Natyam era la perfecta encarnación de la bailarina que se casaba con Dios (literalmente lo que significa su nombre Devadasis) aunque algunos curas mantenían las bailarinas como fuente de ingreso para el templo, en épocas difíciles incluso como prostitutas. Por estos razones, y por la visión puritana del colonialismo británicos que no entendían el masaje al maestro, el tocarle los pies y el vestimenta que dejaba la espalda por parte al aire, ni la temática sutilmente erótica...así que los ingleses prohibieron la danza, mientras también un movimiento nacional se opuso a la exhibición de la danza y el mantenimiento de las bailarinas. Entones, el trabajo de Rukmini Devi se puede apreciar mucho, ya que ella, siendo una mujer brahmán, tuvo mucho valor de dedicarse a la creación de una escuela que fomentaba el sacar del olvido el Bharata Natyam y devolverla el prestigio sofisticado y sacro.



Garcia Lorca tuve interés en el mundo oriental y tuve conversaciones con José Murciano acerca la filosofía India. En su biblioteca tenía además la antología de poemas árabes, persas y turcos traducido en español y publicado en Paris en 1838 por Gaspar Maria de Nava Álvarez. ¿Lorca conocía a Tagore? A partir de 1915 las poesías de Rabindranath Tagore  (1904-1941) fueron traducidas en castellano desde el inglés por Zenobia Camprubí, que junto con Juan Ramón Jimenez publicaron las versiones en castellano. Se dice que Tagore mismo no les hice mucho caso, al igual a G. Lorca, que en la Residencia de estudiantes en Madrid, preparó junto con Salvador Dali y Luis Buñuel la obra “el Sacrificio” que en 1921 tuviera ser representado delante R. Tagore mismo. Rabindranath se encontraba de conferenciante en Europa, pero al último momento, el anuló su visita a Madrid.
Tagore, premio Nobel de la literatura en 1913, estuvo en 1924 en Buenas Aires, donde conoció a Victoria Ocampo, a quién dedicó un volumen, llamanda a ella “Vijaya” incluyendo el famoso poema “Puravi”. Posiblemente, Victoria hubiera introducido la obra de Lorca a Tagore, ya que su contacto amoroso incluía un intercambio literaria. Lorca pasa por Paris en 1924, Victoria organiza una exhibición de las pinturas de Tagore en Paris en 1930, cuando Lorca vive en Nueva York. Lorca pasa en 1933 a Argentina, pero Tagore tiene menos contacto con Victoria, aunque hasta su muerte dedica escrituras a ella. Lorca, quién nació casi treinta años mas tarde que Tagore, desgraciadamente muera antes, pero ambos tienen mucho en común…quizás son las sellas de aquello tiempo. Un tiempo que estuvo fuertemente agitado por guerras, la muerte, formulaciones sobre derechos humanos, el anti-colonialismo, el despertar de pueblos y una búsqueda de una forma de adoración a la nación y al pueblo auténtico sín recaer en un nacionalismo.

Tagore y Lorca se inspiraban en el folclore, en la obra y las tradiciones de patrimonios comunes. La obra de Lorca contiene en su drama y prosa los elementos; amor, deseo y esterilidad, que casi siempre lleva a un enlace de frustración. Generalmente, el indio es más positivo ante la vida, y eso contrajo por ejemplo que algunos en España tachaban a Tagore como “aburrido” o “blando”, y a ello se describe el descenso de popularidad en España después de su muerte, aunque Tagore haya explorado el tema de la muerte y la desgracia también. Desde la introducción de la obra de Tagore en España, sus letras fueron cantadas por cantaores del flamenco. Las obras de Tagore se sitúan en un país bengalí donde abunda o falta el agua, temática conocida en el flamenco. Hoy en día se han olvidado la influencia que ha tenido en España y ya no se reconoce como esta quizás sigue hasta el día de hoy. Quizás es el castigo de que Tagore no acudió a conocer a Lorca, y nos quedamos todos con la pregunta de quién inspiró a quién y qué era la excusa de que Tagore anuló su viaje…
Lorca usa el agua como símbolo de vitalidad, mientras el agua inmóvil refiere a la muerte. La sangre es el flujo de la vida, la sexualidad, la fecundidad, pero cuando fluye fuera del cuerpo, es la muerte. Estudiantes dan al caballo en su obra el mismo simbolismo.
 Camarón de la Isla, posiblemente, se haya inspirado en Tagore en alguna letra suya, sobre todos los que tienen el agua y el río como hilo conductor.
La escuela nacional de Drama de Delhi ha puesto varias obras de Lorca en escena como si fuera que se trataba de una historia típica del norte de la India, siendo los rasgos ortodoxos musulmanes fácilmente intercambiables con la ortodoxia de la religión católica. Bodas de sangre y la casa de Bernarda Alba son obras muy conocidas en la India. Tagore fue en versión traducida cantado por flamencos desde los años 70 del siglo pasado, cuando España gozaba de una hola del nuevo interés en la India, fuertemente vinculada a las nuevas libertades y drogas.
Si hay un ejemplo de la unión de varios disciplinas como dicen que es el arte en la India, este ejemplo debe dar Tagore, porque era escritor de novela y filosofía, poeta, escritor y director de teatro, músico, compositor y pintor. Para el drama Balmiki Pratibha, de 1881, transforma melodías irlandeses y británicos en los actos sobre un cuento hindú. En 1931 gana el premio Nobel para la literatura. El creo una escuela, la Viswabharati, “el lugar universal para el aprendizaje”. Su música patriarca tiene como base muchas canciones bengalíes.
Tagore se inspiraba por los cantes de los Baul de Bengala, gente que comparten muchos rasgos con los gitanos de España. (Hasta Bob Dylon se inspiró en canciones de los Baul). Desde la generación de Nabani Das Baul, textos de Tagore a su vez inspiraron a los Baul.
Cuando se pregunta a un Baul porque no se acuerda de los compositores de sus canciones, este contesta que los barcos en el río no dejan rastro. Los barcos que son arrastrados por orillas fangosas si dejan huella, pero su curso es más corto y duro. El dejarse llevar por el corriente sin huellas es más práctico y natural.
La falta de autor no es únicamente uno de las características de la música folclórica, también es su unión a acontecimientos sociales por encima de la función estética.

 “Toda mi vida te busqué con mis canciones. Ellas me llevaron de puerta a puerta, y con ellas tanteé a mi alrededor, buscando, buscando mi mundo: lo que he aprendido en mi vida, ellas me lo enseñaron; me abrieron sendas secretas, encendieron a mis ojos todas las estrellas que hay sobre el horizonte de mi corazón.
Mis canciones me guiaron, cada día, a los misterios del placer y del dolor. Y ahora ¿A qué portal de qué palacio me han traído, en este anochecer en que acaba mi camino?”

Rabindranath Tagore.

Rabindranath combinó diferentes ragas (composiciones de música clásica de la India) e inventó ritmos nuevos (talas). En los viajes a Inglaterra, se quedaba impresionado por la perfección de cantantes líricas y de opera y los músicos que no afinaban sus instrumentos en el escenario pero antes de subir a ello.
Tagore fundó La escuela Shankenikatán, escuela para llevar el arte al alcance de todos. Para ello estudia la danza de Manipur e invita profesores del estilo a su escuela. En la zona de Manipur (literalmente diamante, dinero o lugar) hay una mezcla de arias, chinos, mongoles y dravídicos y se practica por mayoría el hinduismo vaishavite. Las mujeres se dedican a tejar y saben bailar. Se dice que por celos de Shiva, de Krishna que baila con las gopis, crea Shiva la danza Lai Haraoba (literalmente: para contentar a los dioses) con Parvati. Tagore vio en esta danza una posibilidad de ofrecer estudios de danza al pueblo sin tener que pasar por un aprendizaje de códigos y música compleja, como se debe en la música y danza clásica de la India. Gracias a Tagore, la danza Manipur no fue olvidada y paradójica-mente, forma hoy en día parte de las danzas reconocidos como danza clásica de la India.

Un maestro excéntrico de origen armenio-greco, montó danzas como terápia y unió las danzas y músicas de Asia Central, el Cuacaso, folclore y música religiosa de Asia en los años 20, vivia en Paris durante la Segunda Guerra Mundial, murió en el año 1947. Su nombre es Gurdjieff, un nombre muy parecido a los títulos religiosos en la India “Guru Dev” (Maestro-Dios), y puedo afirmar que sus tablas de ejercicios parecen una copia de las tablas de ejercicios de la danza kathak. Curiosamente, sus danzas recopilan lo que el flamenco tiene como ancestros, pero el resultado es bien distinto. Las danzas clásicas de la India están hoy en día en la publicidad como danza benéfica para la salud física y mental. Gurdieff fue un ejemplo de intentar formar un puente entre culturas y explicar las danzas y músicas ajenas al Occidente en términos adoptados a sus discípulos, y enfocó sus métodos de danza en la salud físico y mental.

Chandralekha, 1928-2006, era una coreógrafa controvertida. Educada en el Bharata Natyam, tuve un lapsus de una década de inactividad e introspección sobre la danza tradicional, ya que para ella la resultó demasiado lejos de la vida real. Ella buscó una forma más abstracta e universal, una danza que canta a la feminidad y sexualidad. Una danza que resulta contemporánea sín tener que buscar formas nuevas en el mundo Occidental. En 1985 ella combinó el Bharata Natyam, el Yoga y el Arte Marchial Kalarippayattu en una pieza llamada “Angika” (cuerpo). Su última pieza fue Sharira, Fire/Desire, con música en vivo de los hermanos Gundechaen el estilo Drupad.


En Europa el flamenco entra en popularidad por los compositores de orígenes no españoles, como es Maurice Ravel y Claude Debussy. El ayuntamiento de Granada no quiere invitar a Igor Starvinsky o a Maurice Ravel por falta de dinero, pero de Falla y Lorca organizan actuaciones de títeres en casa de la familia Lorca el 6 de enero del 1923, incluyendo a “L’Histoire de Soldat “de Stravinsky, La Vega de Albéniz, la Sérénade de la Poupée de Debussy y una canción de cuna de Ravel. (Los trabajos con los títeres forman aún hoy actuaciones de las etnias gitanas de Rajastán.El festival de Segovia, llamado Titirimundo invita cada año a grupos de titiriteros, entre ellos los de Rajastan).



14-4, El flamenco se pone de moda en la India,

Como Ana Pavlona inspiró a Rukmini Devi de elaborar su danza, el bailarín de la ciudad rajastaní Udaipur, llamado Udai Shankar, fue contactado por Ana Pavlona en Inglaterra en 1923 con la misma invitación. Hasta entonces los bailes de la India no estaban internacional-mente muy conocidos y desde ser pintor y admitido en la compañía de Ana Pavlova, inventó su propia danza, inspirándose en las miniaturas de pintura mongol y raiput. Las danzas clásicas de la India se convertían con pioneros como Rukmini Devi Arundale (1904-1986), Madam Menaka (1899-1947) y Ram Gopal (1912-), Ruth St. Denis y Ted Shawn, La Meri, Nyota Inyoka, Mary Wigman y Ragini Devi  y Uday Shankar en neo-clásica. Con apoyo de una escultora suiza, llamado Alice Boner, recuperó inspiraciones en danzas, músicas y ropajes de la India durante un viaje de estudio. Investiga y compone hasta prepararse para actuaciones que son aceptados con euforia en Europa. En Simtola, Uttar Pradesh establece su escuela, (después haber residido en Europa), que su inaugura en 1940. Kalpana es una película dirigido por el y que forma el único testimonio de sus danzas. Udays hermano Ravi Shankar (1920, Benares, India) empezó con su hermano en la compañía como bailarín, luego toca el sitar y compone para su hermano. Ravi Shankar tiene por eso un estilo muy especial, ya que su forma de ver la música es como de un bailarín y composiciones que en origen son para la danza son traducidos en melodía. Es posible que Ravi Shankar no componía con la mente lleno de abstracción de tonos y ritmos, pero con formas en el espacio. Su obra es muy clara, muy estructurada y por eso muy apto para el baile. Su maestro era Ustad Allaudin Khan, maestro de sarod. Por lo tanto, Ravi Shankar tuve que inventar la traducción de sus clases sobre el sitar. Es eso la razón que Ravi Shankar deja fabricar un sitar especial y empezaba a tocar con hierros sobre los dedos como si fuera un plectro, para tocar las cuerdas de bajo, cosa que es común entre los sitaristas de hoy. En giras por Europa y Estados Unidos, Uday Shankar coincide con Vicente Escudero.
La bailarina Menaka, nombre artístico de Lila Roy, nacida en una familia braman del Bengala, el 15 de octubre del 1899, fue educada en kathak del Lucknow Gharana(escuela de la ciudad Lucknow) y en Manipuri y Kathakali. Hizo una actuación en Bombay en 1926, con la presencia de Ana Pavlova en el público. Ella, Menaka, destacó por sus diseños de ropa, la puesta en escena y la anulación de la Lehara o frase melódica repetitiva. Lo último lo substituyó con lo que se llama “Raga mala”, pero esta vez no referendo a la pintura, pero a un collar de diferentes ragas. Las operas de baile indio, en el estilo de Romeo y Julieta se hizo popular, y no solo se trataban de cuentos sobre Radha y krishna, pero también de la traducción en estilo mongol; Nur Jehan con Jehangir, o en estilo hindú; Draupadi y Chiraharan, Satyavan y Savitri o Krishna y las gopis o chicas lecheras.
La bailarina Ruth Saint Denis (1879-1968) empezó a inspirarse en la India, Egipto y Asia Menor desde 1906. Los títulos de sus obras demuestran la conexión con la India; Radha, Incense, Cobra, Nautch, la Leyenda del Pavo Real.
La Argentina (1895-1936) actuaba en la India. Ella ha puesto el baile flamenco en nivel internacional, bailó hasta en la ópera de Paris. Entre 1932 Y 1933, en Navidad, el empresario americano Sol Huruk organizo un festival de danza internacional en el teatro de Nueva York, con Uday Shankar, Vicente Escudero y Mary Wigman. Vicente Escudero cuenta en sus memorias “Mi Baile” como la cantante de la compañía de Uday se parecía a una cantaora de sigueriyas gitanas. Así Vicente Escudero estaba motivado para bailar la sigueriyas por primera vez en su historia. El decía que podría bailarlo en una iglesia sin profanarlo, y con eso subraya el paralelismo entre los dos estilos. El bailaor Javier Barrón pone hoy en día las letras de Lorca en escena además de inspirarse en obras en el trabajo de Vicente Escudero. Uday Shankar forma hasta hoy en día inspiración de formas menos ligadas a la tradición, por esfuerzas de su mujer Amala Shankar, la hija Mamta Shankar y Tanushree Shankar en Calcuta, personas que también han experimentados con la fusión con el flamenco.
Carmen Amaya no puedo mencionar aquí en relación con la India, pero sí debe ser cierta que ella fue conocida en todo el mundo, incluso en la India, por sus contribuciones cinematográficas y por su fuerza y renovaciones en sus coreografías y vestimentas. En comienzos de los años cuarenta la gente vivía un retorno de la copla y de cafés cantantes de los años veinte. En cambio, ahora es el cine que expone este arte ante público. Ella, como Vicente Escudero, Uday Shankar, Menaka e Isadora Duncan trabajan para el manager Samuel Hurok, empresario de Nueva York. Carmen reside con su familia en esta ciudad cuando estalla la segunda guerra mundial. Es la primera vez que bailaores bailan palos que conocemos ahora como palos del flamenco establecido, como las Sigueriyas (Vicente Escudero), Peteneras, Tanrantos (Rosario), etc.
Estados Unidos se convierte en el centro de la danza contemporáneo. Gracias a la danza contemporánea, el baile de la fusión nació, se levantan numerosas compañías de danza tribal contemporáneo, formado por bailarinas afro-americanos. Algunos de ellos, como A. Bledger y Geoffrey Holder se inspiran en el Bharata Natyam (años cinquenta).
En el mundo de la poesía india había también cambios. “The progressive Writers´association” fue fundada en Londres por Sajjad Zahir con la idea de unir fuerzas del “prolitaraat” porque pensaban que deberían reflejar lo que pasaba en su entorno, ( los miembros eran e.o. poetas como Faiz Ahmed Faiz, Ali Sardar Jafri, Kaifi Azmi, Sahir Ludhianvi, Makhdoom Mahiuddin). Al contrario, el grupo Halqa-e-Arbaab-e-Zauq prefería justo basar su arte en la belleza, el arte por arte, elementos espirituales, psicológicos y emotivos, (miembros como Meeraj, Nazar Mohammed Rashid, Yusuf Zafar, Qayoom Nazar, Majad Amjad, Sean Daanish. N.M. Rashid y Meeraji se inspiraban también en la literatura británica y se mezclaban simbolísmo y términos musulmanes con hinduístas). En el mundo del cine, los dos mundos se comienzan a encontrar en coproducciones. El alemán Franz Osten trabaja en 1924 con Himansu Rai, de familia bengalí, en una película en inspiración sobre una poesía de Edwin Arnold, nombrado Light of Asia. La película cuenta como un anciano, debajo de un árbol Bodhi, narra la vida de Buda.
En la academia de Almora, Calcuta, Guru Dutt (1925-1964) es alumno de Uday Shankar, pero se introduce en el cine por ser ayudante de dirección en 1945 en la película Hum Ek Hain. En 1951 dirige a la película Baazi, siguen luego Baaz  y Jaal. De su propio producción es Aar Para (de un lado al otro) del 1954, Mr y Mrs 55, etc, todos éxitos del cine. Sus temáticas favoritas fueron la miseria, las injusticias y los excesos en el mundo. Era idealista y quería cambiar cosas, que finalmente le llevó al cinismo y al no llegar a diferenciar su vida privada de la ficción del cine. Igualmente su propio historia es motivo, repetidas veces, de guiones de sus películas, finalmente terminando en un suicidio.
Gopi Krishna era un bailarín masculino de kathak que gano mucha popularidad y inspiro a chicos de aprender a bailar. El luce sobretodo en la película Jhanak Jhanak Payal Baje, del 1955.
De la misma época era Raj Kapoor, que dirigió la película Shree420, en 1955, con la dirección musical de Shankar Jaikishan. El título refiere el número 420 del código penal indio, el que trata del fraude y en su comienzo y final recuerda a “The modern times” de Chaplin (1936). La película trata el optimismo de la época de Nehru, las desilusiones de los jóvenes desempleados, y retrata la corrupción en la economía social-capitalista. En las escenas finales de la película hay danzas como el flamenco. El hermano de Raj, Shammi Kapoor era un bailarín de Bollywood en la misma época. La imagen de gitana o española estaba de moda en la India, como igualmente el exotismo en Europa. El éxito del cineasta Bengalí, Satyajit Ray en Europa, demuestra este hecho. Su película Jashalghar, que significa el salón de música, es una buena guía para los occidentales de saborear como fuera la era de los conciertos del kathak en la época de decadencia  de los nobles por la llegada de los británicos. El guión esta basado en la novela de Tara Banerji:
”el recital empezó a las ocho de la tarde. Los tocadores de tambor y sarangi templaron los instrumentos. Entraron dos bailarines indostánicos vestidos con amplias faldas y cubiertos de joyas; un velo les cubría la cabeza...
La mayor de las mujeres se levantó y empezó a cantar... En lugar de los tres días previstos, bailaron cinco y luego la fiesta concluyó.”
Y dice Mircea Eliade: “Es imposible describir esta danza, donde todo es ritmo y sugerencia. De repente, cesa la música, sin preliminares ni eco, y, de forma igualmente inesperada, se paran las danzarinas en el centro de la sala con el tronco y los brazos en la posición inicial... Danza tras danza, descubres otros ritmos, otros prodigios de sencillez, otras ondulaciones provocadoras, agonizantes, trovadores o imperiosas.”
En los años cincuenta, Delhi se establece como capital de la danza kathak. En 1952 se levanta la “Bharatiya Kala Kendra”. El niño prodigio Birju Maharaj, guiado por la pobreza, empieza a dar clases en Delhi a la edad de doce años. En 1957 es coreógrafo de “Dance drama”, un estilo de danza en grupo que sigue hasta hoy mismo. Gracias a él, la danza kathak se ha introducido en el cine (la bailarina Saswati Singh bailó como primera bailarina del estilo clásico de kathak en películas.)
Una películas famosa, donde aparece danza kathak es Devdas, de 1935, por el director P.C. Barua. En 2005 el director Sanjay Leela Bhansali hizo la versión moderna con coreografías del maestro Birju Maharaj, con la danzarina estrella Madhuri Dixit. Otra película es Mahasati Ansuya 1956, de Dhinybai Desai y la película Rajnatak también trata una danzarina del corte, una película del 1941 por el director Madhu Bose, con Sadhana Bose como bailarina estrella.


El profesor Sr. Azis Balouch aprendió el cante jondo y cante de Pakistán en los años 50-60 del siglo pasado. Pasando por Granada me topé con una revista editado en 1963 y que conmemora el IX centenario de Aben Házam en Córdoba, y que trataba los descubrimientos del Dr. Azis. El profesor fue agregado de cultura en Madrid de la embajada Pakistaní. El confesó que el cante jondo español, en particular las Soleares, Sigueriyas, Serranas, Fandanguillos, Martinetes, Cañas y Polos tienen mucho que ver con el cante de Pakistán. Azis sabía cantar jondo y mezclaba la técnica con lo de su país en actuaciones ante público español. El introduje la guitarra española en su país. Azis Balouch recibió una medalla de Rabindranath Tagore por sus investigaciones en la música india y pakistaní.
Los temas de amor y dolor en el cante de Pakistán, como los temas del cante Quawali o la del místico Shah Latif referían o al amor o a lo divino, como en las saetas del cante flamenco es cantado el dolor de Jesús o Maria. En los países como India y Pakistán se cantaban y cantan cante divino en lugares divinos, como son los templos y los centros místicos sufíes. En el flamenco, si no se han perdido los cantes sagrados, lo cantan para la fiesta de Pascua y en el culto evangélico, pero también en lugares manchados de cultos no sagrados como los lugares de bares con humo y vicios. Para Azis Balouch esa circunstancia debe haber sido bastante chocante.
La guitarra europea se toca ahora, como instrumento de repertorio clásico, en la india, pero en posición horizontal. La cejilla es móvil y con la mano derecha se lo toca con un plectro. El maestro Vishwa Mohan Batt es un virtuoso actual de este instrumento curioso.

copyright Sharmini Tharmaratnam, Barcelona 2004